COMIC ANDINO

EL COMIC ANDINO

El Cómic se toma a la Andina

Con motivo de la XI muestra de Cómics que se lleva a cabo en la ciudad, la Fundación Universitaria del Área Andina Seccional Pereira realizó en el auditorio de Telesalud, el conversatorio “Cómic en Pereira: ¿Cómo contar nuestras historias?”, charla dirigida por los expertos Luis Gabriel Trejos, Jaime Pazos y Nelson Zuluaga. De igual manera, en la sala de exposiciones de la institución se realizó el Workshop Panorama del Cómic en Colombia, actividad que estuvo a cargo de Álvaro Vélez.

“Durante esta actividad que hace parte de los 11 años de la muestra de cómic sin fronteras, los invitados abordaron temas relacionados con la forma de contar los hechos históricos que han pasado desde 1999 a partir de la creación de cómics, los cuales han reflejado esos sucesos a través de este medio de expresión, para luego ser presentados a la población de esta región” comentó Jaime Pazos, docente del Programa de Diseño Gráfico de la Fundación Universitaria del Área Andina Seccional Pereira.

Durante este mismo espacio, se generaron debates importantes entorno a lo que ha sido la historia y de cómo el cómic se engrana en dichos procesos.

Un cómic trágico del mestizaje andino

Lo que en 2002 se inició como un ensamble escénico que juntaba música, danza, video y teatro logró convertirse en ‘Blak mama’, un largometraje experimental, original y creativo.

El proyecto cinematográfico BLAK MAMA, dirigido por Miguel Alvear y Patricio Andrade, ganó el premio nacional Augusto San Miguel, entregado por el Ministerio de Educación. El premio consiste en la entrega de 25,000USD al mérito cinematográfico en la categoría ficción. El proyecto fue seleccionado entre 15 proyectos participantes. El veredicto del jurado dice textualmente “por su perfecta sinergia entre danza y actuación, por su excelente trabajo de humor negro, por el surrealismo y la novedosa propuesta audiovisual”.

Este proyecto interdisciplinario se inició en el 2002 cuando en un proceso de exploración y juego, los dos artistas que provienen de trayectorias diferentes, Miguel Alvear desde el video y Patricio Andrade desde la danza contemporánea, (actualmente se desempeña como director escénico de OCHOYMEDIO) se plantearon diversas maneras de construir narrativas performáticas.

Antes de la escritura del guión cinematográfico de Blak Mama, se estrenaron dos versiones escénicas de la obra, una en Mayo del 2002 (con Orts Theater Dance de Toucson, Arizona, y la segunda, corregida y aumentada se presento en Noviembre del 2004. En estas versiones, trabajaron con un elenco compuesto enteramente de bailarines y ambos espectáculos involucraban el video como escenografía y como recurso narrativo. En Agosto del 2006 se rodó la versión cinematográfica de Blak Mama con bailarines y actores.

El impulso inicial de este extraño proyecto, viene de un interés que comparten ambos artistas, sobre ciertas formas híbridas de la cultura que se escenifican de manera contundente en fiestas populares como la de la Mama Negra, en Latacunga, en la Sierra del Ecuador. Si bien esta fiesta, -con antecedentes en tradiciones del Norte de África y Sur de España,- fue traída a América por los conquistadores, aquí se ha ido transformando a través de los siglos y ha incorporado a su visualidad y ritualidad, un bagaje de contenidos simbólicos locales -y actuales- que se superponen sobre los anteriores, creando así una madeja insondable de significados. Esta superposición simbólica de identidades tiene una carga compleja, híbrida, misteriosa y fascinante.

Blak Mama es una suerte de tragi-cómic que se mueve entre el manido sentido trágico del mestizaje andino y su contraparte: la hilaridad, el barroco y el absurdo. Y como en muchos cómics, los personajes hablan más a partir de la cáscara, que de un alma compleja y profunda.

FUENTES:

http://www.elcomercio.com/noticias/comic-tragico-mestizaje-andino_0_6599473.html.

http://www.funandi.edu.co/funandi/index.php/en/home/56-noticias-home/1591-el-comic-se-toma-a-la-andina-

http://cinefaidel.blogspot.com/2008/08/blak-mama-una-pelcula-de-miguel-alvear.html

MÚSICA

NEO RUNA

Parece una banda normal. Dos guitarras, un bajo y una batería. Pero apenas suena su música, se siente la diferencia. Es como si el grupo británico Jethro Tull tocara música ecuatoriana, hasta dan ganas de sacar el pañuelo, bailar, zapatear y gritar: "iss, isss, iiiis". Ellos son Neo Runa.

Galo Larrea está al frente del grupo. En sus manos está la Fender Stratocaster. En sus pies, dos pedaleras de efectos. Sobre su figura convergen a su alrededor un alumno, Jairo Paéz, que toca la guitarra rítmica, y sus dos amigos que, desde hace muchos años, lo han acompañado en el bajo y la batería: Marco Reyes y Jimmy Baca (este último, percusionista de la Orquesta Sinfónica Nacional).

El grupo tiene una canción que se inicia con guitarras acústicas. Esta composición tiene 10 años, ha ido variando con el tiempo. Se llama Neo Runa y de ahí tomaron el nombre para la banda.

Larrea es el compositor de la música. Su intención es llegar, sin mayores traumas para el oído, a la unión de lo autóctono con lo contemporáneo. Y lo ha logrado.

Para Larrea, en Neo Runa no se pierde la esencia nacional con la guitarra eléctrica como piedra angular de su estilo. "El secreto está en mantener las formas musicales, estudiarlas mucho y recrearlas con una orquestación contemporánea", agrega.

Para los integrantes de Neo Runa, el problema de hacer fusión es que siempre se confunden las cosas y termina sonando como un blues gringo. "Queremos que un pasillo tocado por una banda de jazz siga siendo pasillo", recalca Marco Reyes, el bajista de Neo Runa.

La historia de Neo Runa se remonta a 1979, cuando Larrea daba sus primeros pasos en el jazz. Creó el grupo Amautas, que trató de hacer esa fusión. Ahora, su propuesta ha madurado.

Cada compás de sus temas ha sido estudiado milimétricamente, aunque no faltan los momentos de improvisación, propios del jazz. Galo Larrea cree que esta es una forma de avanzar en la música ecuatoriana.

"El pasillo se estancó, a pesar de que tenía una composición de guitarras fabulosa, que no tenían otros tipos de música. Por eso creo que es hora de retomar el tiempo perdido con Neo Runa ", aclara Larrea.

La investigación musical ha llevado a que Larrea se comprara un sintetizador que convierte al sonido de su guitarra en los de una flauta traversa, o de un saxofón, y eso hace que su espectáculo en vivo sea impresionante.

El siguiente paso de Neo Runa es llevar su música a un nivel más grande que, en palabras de Galo Larrea, no parece imposible: "tocarlo con una orquesta sinfónic".

De exportación, a festival en Argentina Neo Runa tiene 20 temas, de los cuales ha grabado seis. Precisamente, el baterista de la agrupación, Jimmy Baca, envió uno de ellos a la Argentina, a los organizadores del Festival de Jazz y Blues Comodoro Rivadavia, y fueron seleccionados para la edición de 2009.

Jimmy Baca había visto un anuncio del festival en la red social www.sonico.com. Escribió para ver si podrían considerar la presencia de Neo Runa. Cuando escribió, le respondieron vía correo electrónico que el cartel para 2009 estaba cerrado. Baca no se quedó quieto y envió una de las canciones grabadas.

A la semana, los organizadores del festival le respondieron con una carta formal para invitarlos, por lo que participarán representado al Ecuador del 10, 11 y 12 de Abril en Comodoro Rivadavia, en la provincia de Chubut. Este es uno de los más afamados festivales de jazz experimental en el Cono Sur. (JRI)
FUENTE:
Diario Hoy 

PELÍCULA

LAS AVENTURAS DE TINTÍN

En “Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio”, el curioso e insaciable joven periodista Tintín y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un gran secreto. Arrastrado por un misterio centenario, Tintín se encuentra en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que Tintín ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero con la ayuda de su perro Milú, el mordaz y cascarrabias capitán Haddock y los torpes detectives Hernández y Fernández, Tintín viajará por medio mundo, siempre yendo un paso por delante y siendo más astuto que sus enemigos en una persecución para hallar el lugar donde finalmente descansa “El Unicornio”, un navío hundido que puede contener la clave de una cuantiosa fortuna… y de una antigua maldición. Desde alta mar hasta la arena de los desiertos del norte de África, cada giro inesperado arrastra a Tintín y sus amigos a niveles más irrefrenables de emoción y peligro, demostrando que cuando alguien se arriesga a perderlo todo, no existen límites para lo que pueda llegar a hacer.

PINTURA

FABIÁN POVEDA ZÚÑIGA

 

(Latacunga – 1954) es psicólogo, abogado, docente y artista plástico, pero, fundamentalmente, un ser humano convencido de que la única forma de ser leal a los demás es ser leal a uno mismo.

La única forma de ser leal a los demás es ser leal a uno mismo”, sentenció el poeta español Vicente Aleixandre. Esta convicción de vida, tan íntima, tan honesta, tan humana, parece ser la guía del pensamiento y el accionar de Fabián Poveda Zúñiga.

Su lealtad abraza, cariñosa y enardecidamente, a valores como la solidaridad, la justicia y el patriotismo; esta nobleza social e intelectual le ha permitido conversar con su sombra y encontrar en ella el reflejo claro y transparente de sus ojos verdes…

Fabián es psicólogo y abogado; también es maestro secundario por más de 25 años. En todas estas actividades prevalecen sus principios ideológicos, democráticos y progresistas, que apuntalan al ser humano, a sus aspiraciones y luchas, como el eje central de la historia.

Esta misma filosofía, como no podía ser de otra manera, también se encuentra telúricamente viva en su obra plástica: cuando se observa un cuadro de Fabián Poveda Zúñiga, un sacudón de sensaciones alborota el corazón; movimiento que amaina, poco a poco, hasta convertirse en reflexiones, diálogos de aseveraciones y críticas, que conmueven, esta vez, a la materia gris… Este mismo temblor de emociones sintió nuestro personaje cuando el arte se le presentó, ingenuo pero determinante, durante su niñez: su madre bordaba manteles infinitos de ternura, en los cuales Fabián se perdía en el hechizo de un arco iris de percepciones; fue el color quien empezó a dar luz a su sombra.

De ese primer encuentro con el arte han pasado ya más de 40 años. Diversas escuelas y técnicas han sido utilizadas por Poveda Zúñiga, desde el realismo, el hiperrealismo, hasta el realismo mágico, la expresión que más convive con la esperanza, tendencia con la que trabaja, apasionadamente, en la actualidad.

Sus cuadros han viajado por las principales ciudades del país y también por urbes del extranjero: Los Ángeles, Las Vegas, entre otras, han acogido con beneplácito la calidad estética de su obra, que ha sido merecedora de importantes reconocimientos y premios. El color y la forma, la conjunción de su arte, retrata aquellos valores y principios, aquellas lealtades de su posición frente al mundo: en sus cuadros, invención de realidades dolidas y magia de certeras esperanzas, está la historia de nuestro pueblo, la conquista salvaje, la rebeldía castigada, el levantamiento independentista y la República, la corrupción y la lucha por la libertad; en la obra de Fabián de Poveda Zúñiga se encuentra un anhelo vehemente de rescatar nuestra identidad cultural.

En este proceso de pensar y repensar (de conocerse a sí mismo y de analizar el tiempo en que a uno le tocó vivir), y de crear y recrear (de saber quién es uno y de proceder en correspondencia con sus ideales), Fabián también ha sido leal con el arte: ha fundido la calidad y la exigencia estética, con su pensamiento social.

Esta composición entre arte e ideología es lo más parecido a la magia; la magia tan cercana y humana de Fabián Poveda.

PELÍCULA

METRÓPOLIS

En una megalópolis del siglo XXI los obreros viven en un gueto subterráneo donde se encuentra el corazón industrial con la prohibición de salir al mundo exterior. Incitados por un robot se rebelan contra la clase intelectual que tiene el poder, amenazando con destruir la ciudad que se encuentra en la superficie, pero Freder (Gustav Frölich), hijo del dirigente de Metrópolis, con la ayuda de María (Brigitte Helm), de origen humilde, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor.

El filme se desarrolla en el año 2026, en una ciudad-estado de enormes proporciones llamada Metrópolis. La sociedad se ha dividido en dos grupos antagónicos y complementarios: una élite de propietarios y pensadores, que viven en la superficie, viendo el mundo desde los grandes rascacielos y paisajes urbanos, y una casta de trabajadores, que viven bajo la ciudad y que trabajan sin cesar para mantener el modo de vida de los de la superficie. El presidente-director de la ciudad es Johan 'Joh' Fredersen (interpretado por el actor Alfred Abel).

Una figura carismática y pacificadora llamada María defiende la causa de los trabajadores. Pero en lugar de incitar a una revuelta, insta a los trabajadores a buscar una salida pacífica y tener paciencia, esperando la llegada del "Mediador", que unirá ambas mitades de la sociedad. El hijo de Fredersen, Freder (Gustav Fröhlich) conoce a María y queda prendado de ella. Al seguirla sin que ésta se dé cuenta, penetra en el mundo subterráneo de los trabajadores y mira con sus propios ojos las pésimas condiciones en que éstos viven y trabajan, así como el desdén absoluto de los propietarios, que prefieren traer más trabajadores para que las máquinas no se detengan, que auxiliar a los que sufren accidentes en ellas. Asqueado por lo que ve, Freder decide unirse a la causa de María.

Sin embargo Fredersen se ha dado cuenta ya de las actividades de María, y temiendo una revuelta de los obreros, decide solicitar la ayuda del científico Rotwang (en el papel de Rudolf Klein-Rogge), quien a su vez le muestra un robot antropomorfo de su invención. El robot creado por Rotwang puede tomar tanto la conducta como la apariencia de una persona, así que deciden suplantar a María. El robot tiene como órdenes promover los disturbios y el descontento, para así permitir a Fredersen lanzar una represión violenta contra los trabajadores. Lo que desconoce Fredersen es que el robot contiene el espíritu de Hel - la ex mujer de Rotwang, que tuvo un amorío con el dueño de la ciudad, y falleció al dar a luz a su hijo Freder -, y que Rotwang utilizará al ser máquina como instrumento de venganza contra el presidente de Metrópolis, su hijo, y toda la ciudad.

La verdadera María es hecha prisionera en la mansión de Rotwang, en Metrópolis, mientras el robot la suplanta y lanza discursos incendiarios. Además, el robot comienza a seguir las iniciativas de Rotwang en su plan de venganza, y se transforma en bailarina exótica en el prestigioso cabaret Yoshiwara, excitando y nublando la razón de los asistentes, promoviendo la discordia y la decadencia entre los jóvenes adinerados. Siguiendo los malos consejos del Robot-María, los trabajadores inician una revuelta y destruyen la "Máquina Corazón", que proporciona la energía que hace funcionar toda la demás maquinaria de Metrópolis. La destrucción de dicha máquina también provoca que los tanques de agua de la ciudad se aneguen, e inunden el submundo de los trabajadores, quienes cegados por el discurso del robot, han descuidado la seguridad de sus hijos, quienes terminan siendo rescatados por Freder y la verdadera María. Al darse cuenta de su grave error, los trabajadores desesperados salen a la superficie en busca de su "enemiga en la ciudadela", la presunta María. La muchedumbre invade el distrito de diversiones de la ciudad y captura a la falsa María, a la cual atan a una estaca y prenden fuego, mientras Freder observa todo y desespera. Pero pronto se dan cuenta que esa María es una impostora, al arder sus carnes falsas y quedar al descubierto el robot, y al ver a María ser perseguida por el enloquecido Rowang en los tejados de la catedral de la ciudad. Freder persigue a Rotwang, y lo enfrenta hasta que éste último se precipita del tejado hacia su muerte. María y Freder retornan a la calle y van al encuentro de Joh y Grot (líderes de la ciudad y de los trabajadores) y dejan entrever el comienzo de una nueva sociedad.

Bajo el lema "Mittler zwischen Hirn und Hand muss das Herz sein" (mediador entre el cerebro y la mano ha de ser el corazón), que debe interpretarse como la necesidad de que la capacidad de amar del Ser Humano reúna a la razón y la fuerza, se reconcilian el magnate Joh Fredersen y los trabajadores de Metrópolis gracias a Freder, que encarnarían los tres términos de esa ecuación: razón, trabajo y corazón.

FOTOGRAFÍA

MARCELA GARCÍA

El Ecuador, su paisaje y su paisanaje han sido pretexto para que fotógrafos, viajeros,  editores y escritores le dediquen páginas y obras enteras. Ecuador, su colorido y su diversidad son temas inagotables para el lenguaje de la fotografía. Y no fue la excepción para Marcela García quien con Paisajes íntimos,  libro que  acaba de publicar, muestra una particular escritura. Su libro  está escrito con luces, sombras, texturas, nieves, cumbres y rostros.

También tiene algo de nostalgia. De un paisaje que el tiempo ha ido cambiando y del que queda cierto recuerdo, evidente en la mirada de la autora. Es un libro de retratos de un país, sí, pero, más allá de eso, es un libro de paisajes íntimos, producto de años de fotografía y de años de caminar por los más recónditos rincones del país.

No son fotos ordenadas por cronología alguna. No hay, a más del prólogo de José Hernández y de un texto introductorio de la autora, muchas palabras. No hay en él, tampoco, un orden regional.

Paisajes íntimos, si bien es un libro de fotografía, bien puede leerse como se lee la poesía, desde la más pura sensibilidad. Se refleja  el frío del páramo o la brisa que acaricia a los campos de cebada y quinua.

El lector sonreirá con los rostros de los niños a los que encontrará en alguna de sus páginas y, asimismo, podrá escuchar el tambor de las fiestas y los danzantes.

Probablemente quiera tocar y sentir entre sus dedos las texturas de la sábila o de la palma. Y seguramente se pregunte, con algo de tristeza, qué pasó con el paisaje de Imbabura, por ejemplo, con las casas de adobe y teja que rodeaban al lago San Pablo hace pocos años, hoy poblado por enormes casas de bloque gris sin terminar de construir que se han levantado en las orillas de la carretera.

Paisajes íntimos  responde a una mirada singular de quien ha sabido encontrar en el paisaje rural, en las montañas, en los ríos, en los colores de la fiesta popular, un pretexto para hablar de sí mismo, de vivir la fotografía, de recorrer los rincones más alejados, los caminos más inhóspitos en búsqueda de colores, matices y texturas en imágenes cotidianas.

La fotógrafa recoge en esta obra imágenes de todas las regiones del país: Costa, Galápagos, Amazonía y de la Sierra pero con énfasis en esta última zona porque fue allí en donde vivió su infancia.  García encuentra en su obra  dos intimidades: la  del país y sus más bellos y conmovedores rincones y su propia intimidad, esa que hace que encuentre, en la luz, la inspiración para su foto.

Marcela García nació en Riobamba y comenzó su carrera de fotógrafa en 1980. Durante diez años se concentró en la fotografía de las zonas rurales y los páramos de los Andes ecuatorianos. Desde 1990 hasta el 2006 interrumpió su carrera como fotógrafa para   dirigir la librería Libri Mundi con todos sus proyectos culturales. Luego retomó su  actividad artística.

Comienza su carrera como fotógrafa en 1980. De 1990 al  2006  dirigió la librería Libri Mundi. Ha realizado exposiciones  en Ecuador, Europa y América Latina. Ha publicado  Ecuador, entreluces la sierra  (1988). Fue parte del equipo de fotógrafos que participaron en los libros  Discovering Ecuador, Patagonie y El Corazón de los Andes. 

PELÍCULA

ESPARTACO

Espartaco era un esclavo tracio que fue vendido como gladiador a Léntulo Batiato. En Italia promovió y dirigió la rebelión de los esclavos (73-71 a. C.) contra la República romana. A medida que recorrían el país, innumerables esclavos se iban sumando a la rebelión. Espartaco intentará llegar con su ejército al sur de Italia para embarcarse con rumbo a sus hogares.

La historia inicia en una cantera en Libia, en la cual Espartaco, esclavo de Tracia, va en auxilio de un anciano que cae fatigado por su carga. Un soldado romano azota a Espartaco y le ordena que vuelva al trabajo, siendo mordido en el tobillo. Por eso, Espartaco es castigado a morir de hambre. Léntulo Batiato un traficante de esclavos y preparador de gladiadores, llega a la cantera buscando nuevos reclutas para su ludus (escuela de gladiadores), comprando a Espartaco y varios mas. Estos son llevados a Capua para ser entrenados por Marcellus, quien provoca a Espartaco para que este le de un motivo para acabar con su vida.

Mientras era entrenado como gladiador, Espartaco se enamora de otra esclava, Varinia. Después de muchos combates a muerte en la misma escuela de gladiadores, organizado para satisfacer los caprichos de unos patricios (Marcus Licinius Crassus, Marcus Publius Glabrus, Claudia Marius y Helena Glabrus) hace pensar a los esclavos sobre su condición y, liderados por Espartaco, desatan una rebelión que con el tiempo llegó a amenazar la misma Roma. Durante este camino, Espartaco vence ejércitos, tiene un hijo y comercia con piratas que lo traicionan.